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ARTISTES TRAMEURS-TRAMEUSES
29 mars 2019

LE PETIT SCRIBOUILLE DU TRAMEUR...: N°00 29 MARS 2019 "FORMELLEMENT RIEN À VOIR ... ( OU ALORS PAS GRAND CHOSE !)" par Stefano

LE PETIT SCRIBOUILLE DU TRAMEUR...: N°00 29 MARS 2019

Désormais, a partir du 29 mars 2019 paraîtra un article unique datés chaques mois ou trimestre...

THE SMALL SCRIBOUILLE DU TRAMEUR ...: N ° 00 29 MARCH 2019

From now on, March 29, 2019 will appear a single article dated every mont

NUTTEIN / HANTAÎ : "FORMELLEMENT RIEN À VOIR ...

(OU ALORS PAS GRAND CHOSE ...)"

par Stefano Ceccarelli.

Alors que je cherchais l'adresse de l'artiste Nicolas NUTTEIN pour lui envoyer un petit carton d'invitation de la prochaine expo de l'artiste O.Fouchard (http://tramists.canalblog.com/archives/2019/02/22/37122258.html ), je suis tombé par l'agorithme google sur un rapprochement étrange de l'I.A et ses fameux algorithmes : Une photographie d'une toile d'un autre artiste : Simon HANTAÏ. https://www.google.com/search?q=Nicolas+Nuttein+adresse&newwindow=1&safe=active&tbm=isch&source=iu&ictx=1&fir=uFWejVfbpljWWM%253A%252C5O1iKQxHmK8TLM%252C_&vet=1&usg=AI4_-kRNbl78CyQl756YQ9Hk1ANfKGb0mA&sa=X&ved=2ahUKEwjdx6L-vqbhAhUFJhoKHdpMDyoQ9QEwB3oECAkQCg#imgrc=Q9SboO0nEqom-M:&vet=1

 

NUTTEIN / HANTAÎ: "FORMALLY NOTHING TO SEE ...

(OR THEN NOT LARGE THING ...) "

by Stefano Ceccarelli.

While I was looking for the address of the artist Nicolas NUTTEIN to send him a small invitation card of the next exhibition of the artist O. Fouchard (http://tramists.canalblog.com/archives/2019/02/ 22 / 37122258.html), I fell through the google agorithm on a strange approximation of the AI and its famous algorithms: A photograph of a canvas of another artist: Simon HANTAÏ. https://www.google.com/search?q=Nicolas+Nuttein+adresse&newwindow=1&safe=active&tbm=isch&source=iu&ictx=1&fir=uFWejVfbpljWWM%253A%252C5O1iKQxHmK8TLM%252C_&vet=1&usg=AI4_-kRNbl78CyQl756YQ9Hk1ANfKGb0mA&sa=X&ved=2ahUKEwjdx6L-vqbhAhUFJhoKHdpMDyoQ9QEwB3oECAkQCg# imgrc = Q9SboO0nEqom-M & vet = 1

Hantaï / Nuttein ? Du point de vue de la forme, de la technique, de la "démarche" et du "processus de fabrication", çà n'a rien à voir me dis-je !  Ou si peu...

L'un peind en utilisant des techniques parfois sophistiquées de pliages ou "froissages", et de trempages, dépliages sur des toiles écrues de tailles immense (...ou du moins parfois grandes et très grandes...); L'autre, dessine sur feuilles de papier de format moyens, petit voire très petit format avec des crayon dit "magics" des faunes d'animaux tenant à la fois de l'animal, du végétal (plus rarement) et du minéral... Pourtant il y a bien du Cézanne dans les blancs de Nuttein, parfois même des blancs du papier en fond (je le sait pour en avoir un ou deux dans mon atelier)...Et puis cherchant aussi des articles sur chacun d'eux afin d'étayé ce rapprochement un peu scabreux sur les deux artistes, j'ai cherché des documents vidéo et des articles sur les deux artistes...Je vous livre ainsi ma recherche de la façon la plus neutre possible et j'ai pus constaté que le nom de Cézanne en référence est cité pour ce qui concerne les deux artistes...Voilà. C'est de qu'on appelle une vue "formaliste" basée sur la ressemblance que sont les logiciels de reconnaissances "faciales" ou "d'images par ressemblances" et apprentissage de l'I.A. avec le "deep learning". Mettre sur le même plan et du coup presque dans le même sac, comme ça deux artistes si différents relève d'une insensibilité de la machine au monde réel tactile, sensible ou palpable et comme par un hasard surréaliste tenant à la fois de la ressemblance un peu grossière de deux images et puis y trouver le nom d'un autre artiste pour les réunir n'est pas tout à fait du au hasard...J'aurais plutôt pour ma part en ce qui concerne NUTTEN cherché chez RIOPELLE à cause des formes "figuratives" plus ou moins dissimulées dans le tableau...Mais ce qui lie NUTTEIN et HANTAÏ c'est bien les blancs de CÉZANNE...C'est curieux vous ne trouvez pas ? C'est vrai çà ,n'a pas grand chose à voir...

S.C., le 29 mars 2019

Deux images trouvées sur "google images" :

Formellement rien à voir ...Où alors pas grand chose ?

Hantai / Nuttein? From the point of view of form, technique, "step" and "manufacturing process", it has nothing to do I say! Or so little ...

One peind using techniques sometimes sophisticated folding or "crumpling", and soaking, unfolding on unvaryed canvas huge size (... or at least sometimes large and very large ...); The other, draws on medium-sized paper sheets, small or very small format with pencil called "magics" animal fauna holding both animal, plant (more rarely) and mineral .. Yet there is indeed Cezanne in the whites of Nuttein, sometimes even white paper bottom (I know to have one or two in min workshop) ... And then also looking for articles on each of them In order to substantiate this somewhat scabrous approach to the two artists, I looked for video documents and articles about the two artists ... I give you my research in the most neutral way possible and I found that the name of Cézanne in reference is quoted as regards the two artists ... That's it. This is called a "formalistic" view based on the resemblance that is the recognition software "facial" or "images by similarities" and learning the I.A. with the "deep learning". Put on the same shot and suddenly almost in the same bag, like that two artists so different is an insensitivity of the machine to the real world tactile, sensitive or palpable and as if by a surreal chance holding both resemblance a little coarse two images and then find the name of another artist to bring them together is not quite at random ... I would rather for my part as regards NUTTEN sought at RIOPELLE because of "figurative" forms more or less concealed in the painting ... But what binds NUTTEIN and HANTAI it is the white of CÉZANNE ... It is curious you do not find? That's right, does not have much to see ...

 

S.C., March 29, 2019

 

Two images found on "google images":

Formally nothing to see ... Where then not much?

 

SIMON HANTAÏ :

SIMON HANTAÏ :

Simon Hantaï, « Mariale mci-dessus : Simon Hantaï, « Mariale m.a.2 », 1960, huile sur toile, 278 x 214,5 cm, CAPC, musée d’art contemporain, Bordeaux © Adagp, Paris 2013.

"Sans cesse Hantaï a cherché à être lui-même, étonné par sa propre peinture. À notre tour d'être étonné par les 130 toiles rassemblées ici par Dominique Fourcade, Isabelle Monod-Fontaine et Alfred Pacquement. Comme le résume Dominique Fourcade dans le catalogue, avec cette rétrospective, « il s’agit d’ouvrir avec humilité cette œuvre à elle-même, comme un sujet qui s’est longtemps ignoré et qui ne sait toujours pas […] combien il est cohérent, violent et magnifique »."

Europe des Cultures - Simon Hantaï - Ina.fr

Portrait du peintre Simon Hantaï. Dans son atelier, il montre sa peinture - déployée sur d'immenses tissus - et il évoque sa carrière, ses projets, ses théories picturales.

https://fresques.ina.fr

"Peintre d'origine hongroise, né en 1922, Simon Hantai est un artiste engagé qui a mené une véritable réflexion sur l'acte de peindre et la place de l'art à la fin du XXe siècle. Après avoir rejoint les surréalistes à son arrivée en France en 1949, il s'en sépare comme d'autres avant lui, face à l'inflexibilité d'André Breton. Ce dernier refuse de reconnaître le lien entre l'"action painting" de Jackson Pollock et l'écriture automatique qui visait à empêcher la raison, les idées préconçues de s'exercer par une écriture spontanée et rapide. Cette imprévisibilité du geste, le rejet des modes d'expression traditionnels, sont pourtant bien à la base des travaux de Pollock, puis d'Hantai.

Influencé par ailleurs par les aplats de Cézanne et les découpages de Matisse, Simon Hantai va mettre au point en 1960 "le pliage comme méthode". La toile, dépourvue de châssis, est pliée, nouée, puis enduite de peinture, avant d'être retendue et de se divulguer, véritable révélation aux yeux de son créateur. Au début des années 1980, alors qu'il est au faîte de sa gloire, Hantai se retire de la scène artistique pendant quinze ans, refusant de participer à la marchandisation et l'institutionnalisation des artistes. Situationniste désabusé, il déplore l'absence de sens critique de ses contemporains : "Ils travaillent tous à l'embellissement de la société. (...) L'art a été neutralisé, il est devenu quelque chose comme un service social".

Cécile Olive "
"Hungarian painter, born in 1922, Simon Hantai is a committed artist who led a real reflection on the act of painting and the place of art in the late twentieth century.He joined the surrealists to his When he arrived in France in 1949, he broke away from him before André Breton's inflexibility, refusing to recognize the link between Jackson Pollock's "action painting" and automatic writing. the unpredictability of the gesture, the rejection of the traditional modes of expression, are nevertheless the basis of the work of Pollock, then of Hantai, which was intended to prevent reason, the preconceived ideas of spontaneous and rapid writing. .

Influenced by Cezanne's solids and Matisse's cuttings, Simon Hantai developed "folding as a method" in 1960. The canvas, devoid of frame, is folded, knotted, then coated with paint, before being re-stretched and divulged, a real revelation in the eyes of its creator. In the early 1980s, when he was at the height of his glory, Hantai withdrew from the art scene for fifteen years, refusing to participate in the commodification and institutionalization of artists. A disillusioned situationist, he deplores the lack of critical sense of his contemporaries: "They all work for the embellishment of society (...) Art has been neutralized, it has become something like a social service".

Cécile Olive "

" La peinture que fait actuellement Simon Hantaï a reçu de l'oeuvre de Cézanne, de celle de Matisse et de celle de Pollock, un ensemble d'impulsions décisives. L'oeuvre de Jackson Pollock a imposé à Hantaï de tenter à son tour de renouveler fondamentalement la situation du peintre vis-à-vis du champ à peindre. Pour peindre une peinture nouvelle, il faut se mettre face à de l'inconnu et faire en sorte que cet inconnu demeure aussi longtemps que possible inconnaissable, d'où le pliage inauguré par Hantaï en 1960. Pliant sa toile avant de la peindre, Hantaï s'enlève toute possibilité de savoir à l'avance ce qu'il va peindre. Il saute également l'essentiel du contrôle de l'image en train de se peindre. C'est sa façon à lui de se bander les yeux, et d'avancer authentiquement à tâtons. C'est dans le contexte de cette nuit pleinement assumée, que Simon Hantaï a entrepris d'interroger Cézanne et Matisse. Il s'est rivé à un questionnement de l'oeuvre de ces deux peintres, questionnement dont on peut dire qu'aujourd'hui encore, il n'a pas pris fin et dont il a voulu tirer les conséquences. Cézanne lui a apporté l'assurance que la voie de la peinture moderne consistait dans l'expression par la couleur. La force de la couleur peut à elle seule donner à la forme sa plénitude et rendre compte de la construction du monde. Cézanne a également apporté à Hantaï l'évidence que la voie du moderne en peinture passait par l'aménagement de blanc aussi important que les zones peintes et que l'ensemble peint et non peint pouvait et devait s'agencer en un plan respirant dont pas un point ne s'enfonce.D'où la mise en oeuvre par Hantaï d'une peinture que lui-même proclame : trouvée. Les papiers découpés sont la part de Matisse dont Hantaï s'est plus particulièrement nourri.Matisse a découpé à vif dans la couleur considérée comme l'univers, il a défini à même la couleur des formes qu'il a ensuite décalées et disséminées dans du blanc considéré comme loi du monde. Il a voulu sublimer la couleur en lumière, une lumière mentale, la seule lumière à la fois source et réponse ultime de l'inspiration. Matisse a voulu donner à percevoir quelque chose, l'essentiel qui n'était pas peint. C'est une confiance dans les choses de cet ordre, que Hantaï a puisé dans ses aînés, et c'est fort de cette confiance, qu'il s'est avancé sans citation, radicalement vers lui-même.
(Silence)
Reporter
Ces très grandes peintures pour l'espace central du CRPC à Bordeaux représente pour vous la façon la plus radicale de rentrer dans le problème de la couleur ?
Simon Hantaï
Les lits qui ont une architecture très curieuse, qui rappelle les arches des petites églises, c'est-à-dire, c'est éclairé en haut par les fenêtres,
Reporter
Oui
Simon Hantaï
Paraissent être justement une possibilité de tenter, réaliser beaucoup de projets que j'ai eu dans les temps anciens, et notamment, agrandir le, par la quantité de la couleur l'intensité lumineuse, et voir quelle modification ça produit dans les structures internes de tableaux.Et ça, et en rapport avec la question que Matisse posait que un centimètre carré est moins bleu...
Reporter
Qu'un mètre carré
Simon Hantaï
Un mètre carré. Imaginez par exemple que j'ai une surface monochrome de 12 mètres sur 9,
Reporter
Oui.
Simon Hantaï
Et je vais le remplir d'une seule couleur une fois plié. C'est-à-dire on a une expérience d'étalage des couleurs, qui a une sorte de brûlure de l'oeil qui produit en rapport à l'expérience quotidienne, une expérience limite, et là il s'agit quelque chose que la peinture occidentale n'a jamais expérimenté. Et vu que chaque, jusqu'ici toujours, la peinture était une peinture composée, il était toujours rempli bord à bord, sauf chez le dernier Cézanne, et dans toute l'oeuvre de Matisse à la fin.
(Musique)
Simon Hantaï
Tout ce que j'ai réfléchi, c'est sur la question théorique, scientifique, reste-t-il de la couleur ? La théorie de couleur tel qu'il était pratiqué, réfléchi par les peintres, jusqu'à la fin du XIXe siècle, même au XXe siècle, sauf certaines exceptions, c'est un certain secteur de la couleur, une certaine force de la couleur, notamment fortement marquée par le préoccupation de la couleur localisée dans le monde, dans la nature. Le seul où il apparaît une rupture, c'est Cézanne, il sort quelque chose qui est une cassure de l'espace rempli.Cézanne est le premier peintre qui a l'espace troué disait que j'arrive pas à terminer parce que si je laisse couler n'importe quoi sur cette toile blanche non remplie, à ce moment, en rapport de cette couleur mis, il faudra que je refasse toute l'ensemble de la toile. Il apparaissait au fur et à mesure dansson travail, quelque chose qui est, qu'il a observé la nature ex devant la Montagne Sainte-Victoire, qui est une nature tout à fait particulier. Vous avez là une sorte énorme montagne blanc délocalise totalement le paysage, et à partir moment là, toutes les objets, les arbres, les roches, tout ça, apparaissent pas comme éclairés par le soleil, ils sont là justement pour faire fonctionner la lumière décomposée qui forme une écran devant la montagne. Au fur et à mesure de ce travail là, on voit la conscience que, il faut peut-être jamais plus terminer une toile. Et peut-être là c'est le fondement même de cet basculement, là la couleur fonctionne pas comme avant.L'habitude, un rapport de, de complémentarité, tout ça, joue pas.
(Musique)
Simon Hantaï
J'ai vu chez Matisse, le grand conflit de sa vie était que il a eu un dessin séparé après il mettait les couleurs, il fallait chaque fois modifier les dessins. Jusqu'à là qu'il arrivait à un certain moment donné à sa maturité, faire une série de dessins où la ligne mis est uniquement distributeur de blanc. C'est-à-dire il fonctionne pas comme le signe de quelque chose, mais uniquement pour distribuer certaines manières de blanc et ces blancs là sont dans l'esprit de Matisse colorés. Alors si je travaille, une peinture, je mettrais là, une couleur à côté l'autre, remplie, tout ça, si bien ça faire, je m'occuperai pas de ces questions là qui étaient ouverts par Cézanne ou Matisse. Parce qu'il faut bien élargir ça, c'est-à-dire je dis beaucoup plus que Cézanne et Matisse savaient là-dessus, dans la mesure je réfléchis là-dessus.
(Musique)
Simon Hantaï
Et la couleur, de cette manière ne pouvait aborder que dans une espace décentrée et éventuellement de l'espace renversé. Mais dans cette optique là, tout est gris, d'un avant gris décoloré, Cézanne quand il regardait ça, sûrement il devenait totalement terne. Quand je peins une ou deux heures, tout est sale. Je veux dire que toute la couleur absorbe, l'intensité de coloration absorbe, disons il affaiblit l'oeil ou il tue de certaine manière partiellement. Mais il exacerbe certes la faculté que normalement on n'exerce pas, et vous supposez que ça dans un espace troué et renversé, c'est-à-dire où les distances entre les deux couleurs sont si grandes que normalement l'oeil habituellement qui lit des couleurs en rapprochement ne peut plus fonctionner. Dans cet sens, si y a pas de trou chez Cézanne, si y a pas de trou chez Matisse, sur le papier blanche, ça marche pas. La couleur là il sert pas pour se montrer, regarde moi je suis si beau, un côté l'autre, je vois je nous fais une harmonie, il est là pour disparaître au profit d'une autre chose. Voilà. Alors là, il y a une notion nouvelle de la peinture qui peut être abordée, si vous renoncez à la tactilité la beauté comme Cézanne ou Matisse renonce après pour faire le moche papier découpé, au profit d'une beauté tout à fait droite, que le tactil n'aurait pu jamais permettre. A partir du moment là, il y a cette dégradation qualitative dans le sens naturel. C'est moins beau que tactilement que tous les autres, mais c'est une autre beauté absolument supérieure si on le veut. C'est-à-dire, il vient une tout à fait une autre palette qui vient dans le champ de travail, et je sais que le jaune fonctionne d'une certaine manière, c'est-à-dire il va déborder dans les lilas, dans certaines conditions, pas dans la meilleure condition. Parce que dans les conditions complémentaires, il va fonctionner à sa manière, ou le vert va dans être dans le rosé ; voilà, etc...
(Musique)
Simon Hantaï
Quand on demande à Matisse, quel va être la futur de la peinture ? Il a dit : il est pas couleur, il est plus couleur, il est lumière. C'est-à-dire il y a là le distinction à faire que cette fonction de la couleur, c'est essentiellement liée à la lumière et pas à la matière. C'est le seul chose qui m'intéresse vu que cette perspective m'est apparue comme tout à fait éblouissante. Dans les pliages, au fur à mesure que je peignais, le blanc et le longue peinture apparaissaient, plus en plus actif, à la fin pratiquement seul actif. Tout ce que je veux savoir là-dessus c'est, c'est à la fois une histoire matérielle, à la fois une histoire optique et au même moment, surtout spirituelle ou âme, question d'âme ou quand je ne sais pas quel mot décrire poésie. C'est-à-dire, la lumière c'est, nécessairement le fondement du monde, sur le plan matériel absolu. Et il est justement le signe et le symbole d'une autre infini. Vous allez fond, nécessairement vous allez dans une trou, c'est l'ouverture. Alors bon, mais nécessairement, cette ouverture sur l'infini. Je veux dire que, c'est pas une question que je veux réponse avec lequel je m'assure de quelque chose, je veux justement aucun réponse. Je veux le absolu non réponse, c'est-à-dire l'infini.
(Musique)
(Silence)"

"The painting that Simon Hantaï is currently doing has received a set of decisive impulses from the work of Cezanne, Matisse and Pollock, and Jackson Pollock's work has forced Hantaï to try to fundamentally renew the painter's situation vis-à-vis the field to paint.To paint a new painting, we must face the unknown and ensure that this unknown remains as long as possible unknowable, hence the folding Hantaï inaugurated in 1960. Folding his canvas before painting, Hantaï removes any possibility of knowing in advance what he will paint.It also skips most of the control of the image in the process of This is his way of blindfolding himself and groping authentically, and it is in the context of this fully assumed night that Simon Hantai began to question Cezanne and Matisse. is riveted to a questioning of the work of these two pei we can say that even today it has not ended and that it has drawn the consequences. Cezanne gave him the assurance that the path of modern painting consisted in expression by color. The power of color alone can give form its fullness and account for the construction of the world. Cézanne also brought to Hantaï the evidence that the way of the modern in painting passed by the arrangement of white as important as the painted areas and that the painted and unpainted set could and should be arranged in a breathable plane of which not a point does not sink in. Hence the implementation by Hantai of a painting that he himself proclaims: found. The cut papers are the part of Matisse which Hantaï has particularly nourished.Matisse cut out in the color considered as the universe, he defined the color of the shapes that he then shifted and scattered in the white considered as law of the world. He wanted to sublimate the color into light, a mental light, the only light at once source and ultimate answer of inspiration. Matisse wanted to give something to perceive, the essential thing that was not painted. It is a confidence in things of this order, which Hantai has drawn from his elders, and it is with this confidence that he has advanced without citation, radically towards himself.
(Silence)

Report
These very large paintings for the central space of the CRPC in Bordeaux represents for you the most radical way to get into the problem of color?


Simon Hantai
The beds have a very curious architecture, which recalls the arches of the small churches, that is to say, it is lit up above the windows,

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Yes


Simon Hantai


It seems to be a possibility to try, to realize many projects that I had in the old times, and in particular, to enlarge it, by the quantity of the color the luminous intensity, and to see what modification it produces in the internal structures of And that, and in relation to the question that Matisse posited that a square centimeter is less blue ...
Report
That one square meter
Simon Hantai
One square meter. Imagine for example that I have a monochrome surface of 12 meters out of 9,
Report
Yes.


Simon Hantai

And I will fill it with one color once folded. That is to say we have a experience of color display, which has a kind of burn of the eye that produces in relation to the daily experience, a limit experience, and here it is something that Western painting has never experienced. And since each, so far always, the painting was a composite painting, it was always filled edge to edge, except at the last Cezanne, and in all of Matisse's work at the end.
(Music)


Simon Hantai


All I have thought about is the theoretical, scientific question, is there any color? The theory of color as practiced, reflected by the painters, until the end of the nineteenth century, even in the twentieth century, with certain exceptions, is a certain sector of color, a certain force of color , especially strongly marked by the concern of color localized in the world, in nature. The only one where it appears a break, it is Cézanne, it leaves something which is a break of the filled space. Cézanne is the first painter who has the gaped space said that I can not finish because if I let nothing flow on this unfilled white canvas, at this moment, in relation to this color put, it will be necessary that I redo the whole of the canvas. He gradually appeared in his work, something that is, that he observed the nature ex before the Montagne Sainte-Victoire, which is a very particular nature. You have a kind of huge white mountain totally delocalizes the landscape, and from then on, all the objects, the trees, the rocks, all that, do not appear as lit by the sun, they are there precisely to make the decomposed light work. which forms a screen in front of the mountain. As this work progresses, you can see the awareness that you may never finish a painting. And maybe this is the very foundation of this changeover, the color does not work as before. Habit, a relationship of complementarity, all that, does not play.
(Music)


Simon Hantai

I saw in Matisse, the great conflict of his life was that he had a separate drawing after he put the colors, it was necessary each time to modify the drawings. Until he arrived at a certain point in his maturity, make a series of drawings where the line put is only distributor of white. That is to say, it does not work as a sign of something, but only to distribute certain ways of white and those whites there are in the mind of colored Matisse. So if I work, a painting, I would put there, one color next to the other, filled, all that, so well that, I will not take care of these questions that were opened by Cezanne or Matisse. Because we have to broaden that, that is to say I say much more than Cezanne and Matisse knew about it, as far as I think about it.
(Music)


Simon Hantai


And color, in this way could only approach in an off-center space and possibly inverted space. But in this perspective, everything is gray, a faded gray front, Cezanne when he looked at it, surely it became totally dull. When I paint an hour or two, everything is dirty. I mean that all the color absorbs, the coloring intensity absorbs, let's say it weakens the eye or it kills in some way partially. But it certainly exacerbates the faculty that we normally do not exercise, and you suppose that in a gaped and reversed space, that is to say where the distances between the two colors are so great that normally the eye usually Incoming colors can not work anymore. In this sense, if there is no hole in Cezanne, if there is no hole in Matisse, on the white paper, it does not work. The color there is not used to show, look at me I'm so beautiful, one side to the other, I see I make a harmony, it is there to disappear in favor of something else. Here. Then there is a new notion of painting that can be approached, if you give up tactility beauty like Cézanne or Matisse renounces afterwards to make the ugly paper cut, in favor of a beauty quite straight, that the touch could never have allowed. From the moment there is this qualitative degradation in the natural sense. It is less beautiful than tactilely than all the others, but it is another beauty absolutely superior if one wants it. That is to say, there comes a whole other palette that comes into the field of work, and I know that the yolk works in a certain way, that is to say it will overflow in the lilac, under certain conditions, not in the best condition. Because in the complementary conditions, it will work in its own way, or the green goes into being in the rosé; here, etc.
(Music)


Simon Hantai

When we ask Matisse, what will be the future of painting? He said: he is not color, he is more color, he is light. That is to say, there is the distinction that this function of color is essentially linked to light and not to matter. This is the only thing that interests me since this perspective seemed to me quite dazzling. In the folds, as I painted, the white and the long paint appeared, more and more active, at the end practically alone active. All I want to know about it is, it's both a material story, both an optical story and at the same time, especially spiritual or soul, soul question or when I do not know what word describe poetry. That is to say, light is, necessarily the foundation of the world, on the absolute material plane. And it is precisely the sign and the symbol of another infinite. You go deep, necessarily you go into a hole, it's the opening. So good, but necessarily, this opening on the infinite. I mean, it's not a question I want answer with which I make sure of something, I just do not want any answer. I want the absolute no answer, that is infinity.
(Music)
(Silence)"

 

NICOLAS NUTTEIN : 

ι² Tropochrome I, 65×47,7 cm © Nicolas Nuttein trp56-005-1

Les Affiches - alterartorg

nouvelle version du site de l'association Alter-Art

https://sites.google.com

"Alter-Art vous propose, pour commencer l'année 2017, une exposition de dessins de Nicolas Nuttein. Nicolas Nuttein vit et travaille à Grenoble. Après des études scientifiques, il a suivi les cours de l’École Supérieure d’Art de Grenoble. En 2003 Il développe des séries de dessins au fusain dont la production est continuée périodiquement. En 2014 il aborde la couleur en utilisant des crayons multi-couleurs. Cette exposition à Alter-Art est sa première exposition personnelle.

"Tout migre dans les dessins de Nicolas Nuttein et se métamorphose : rythmes, dessins, contrastes – les formes se déplacent, créant des paysages aléatoires qui naissent et se creusent sous nos yeux, comme si nous étions situés au dessus d’eux. L’artiste touche à une abstraction sensible voire lyrique, avec ses traits modulés à l’infini, jusqu’au bord du papier, prêts à l’échappée.

A l’aide de ses crayons à plusieurs couleurs, il nous plonge dans une euphorie chromatique, et l’on pense à ce que dit Rilke à propos de Cézanne : « que jamais n’était mieux apparu à quel point la peinture a lieu dans les couleurs et qu’il faut les laisser seules afin qu’elles s’expliquent réciproquement. Leur commerce est toute la peinture. »

Mais qu’est-ce qui me (nous ?) touche si fort face à ce déferlement de signes dont on ne sait s’ils sont humains, animaux, végétaux ? Qu’est-ce qui ébranle dans la modification constante de leurs formes sous une pression inconnue ?

Peut- être une image, au sens premier du terme : empreinte de notre humanité, individuelle ou collective, soumise à tant de pressions et de chocs, qui glisse et se modifie d’espace en espace, vers un avenir inconnu.

Image transcendée par la sensualité du geste : il vibre sur le papier, en un mouvement chaleureux, sans cesse réinventé, celui du vivant." 

Janine Desmazières - novembre 2016

 "Nicolas Nuttein commence là, au bord du vertige.
L’œil surpris, intrigué, s'interroge, hésite où guider sa vision.
Il glisse doucement à l'intérieur, s' immerge dans ce mouvement en perpétuelle expansion, insaisissable.
Nicolas Nuttein modèle la forme, la démultiplie par le trait et la couleur. Le trait et la couleur se lient, se délient, en une palpitation de cellules.
L'image devient vibration, déploiement primordial en éveil.
Ces lacis étrangement proches, étrangement familiers, desseins d'un paysage élémentaire sont aussi nébuleuse, voie lactée d'une légende métamorphique.
Nicolas Nuttein tisse des nuées de motifs, emplies des sons et du souffle des métamorphoses, masse saturée de germinations.

L’œil est incontestablement grisé par ce kaléidoscope de l'émergence."

Jean-Luc Didier - novembre 2016"

"Alter-Art offers Nicolas Nuttein's drawing exhibition to start the year 2017. Nicolas Nuttein lives and works in Grenoble After studying science, he took courses at the École Supérieure d'Art in Grenoble In 2003 He develops series of charcoal drawings whose production is continued periodically.In 2014 he discusses color using multi-colored pencils.This exhibition at Alter-Art is his first solo exhibition.


"Everything migrates into the drawings of Nicolas Nuttein and metamorphoses: rhythms, drawings, contrasts - the forms move, creating random landscapes that are born and are deepened before our eyes, as if we were located above them. The artist touches on a sensitive, even lyrical abstraction, with his infinitely modulated features, right to the edge of the paper, ready for the break.

Using his multi-colored pencils, he plunges us into a chromatic euphoria, and one thinks about what Rilke says about Cezanne: "that never had it appeared better how much painting takes place in the colors and that we must leave them alone so that they explain each other mutually. Their trade is all painting. "

But what makes me (we?) Touch so strongly against this wave of signs that we do not know if they are human, animal, plant? What shakes in the constant modification of their forms under an unknown pressure?

Perhaps an image, in the primary sense of the term: the imprint of our humanity, individual or collective, subject to so many pressures and shocks, that slips and changes from space to space, towards an unknown future.

Image transcended by the sensuality of gesture: it vibrates on paper, in a warm, constantly reinvented movement, that of the living.

Janine Desmazières - November 2016

 "Nicolas Nuttein starts there, on the brink of vertigo.
The surprised eye, intrigued, questions, hesitates where to guide his vision.
He slips gently inside, immersed in this movement in perpetual expansion, elusive.
Nicolas Nuttein models the form, multiplying it by the line and the color. The line and the color bind, loosen, in a throbbing of cells.
The image becomes vibration, primordial deployment awake.
These strangely familiar stretches, strangely familiar, the design of an elemental landscape are also nebulous, the milky way of a metamorphic legend.
Nicolas Nuttein weaves clouds of patterns, filled with sounds and the breath of metamorphoses, a mass saturated with germination.
The eye is unmistakably intoxicated by this kaleidoscope of emergence. "

Jean-Luc Didier - November 2016 "

carton2nuttein

 Autres oeuvres de ces deux peintres : 

H-Blancs-1974-C-ollection-Larock-Granoffci-dessus : Simon Hantaï : Blanc, 1974, peinture acrylique sur toile. 205cm x 182. Adagp, Paris 2013.         

ci-dessous : Nicolas Nuitten : Quad L4, 29,6×29,6 cm © Nicolas Nuttein

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 Sources : 

S.Hantaï : 
N.Nuttein :

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